Lors d’un entretien, vous avez déjà révélé qu’enfant, vous désiriez devenir comédien à Hollywood. Qu’est-ce qui vous avait donné la piqûre d’être acteur à un si jeune âge ?

Comédien à un si jeune âge, je ne suis pas certain (rire). On possède un instinct, des talents innés. Certains sont bons pour faire des Lego, mais ça ne veut pas dire qu’ils deviendront tous ingénieurs (rire). Dans mon cas, à partir du moment où ma mère a allumé la télé, tout ce que je faisais c’était de reproduire ce que je voyais. Je retenais tout ce que j’entendais. J’avais une bonne mémoire. Les dimanches matins, je faisais aussi des spectacles devant mon frère et mes parents. Un des premiers besoins que j’ai eus, c’est d’avoir de l’attention (rire). Après ça, Hollywood, c’est juste parce que je consommais des films de Rocky et Rambo, et que dans ma tête, c’est là que ça se passait. C’était le point de vue d’un petit gars qui ne voyait pas de frontières, ni de limites. Et tu veux travailler avec tes héros, comme Sylvester Stallone et Arnold Schwarzenegger. Plus vieux, j’ai réalisé que tu es mieux de commencer localement (rire).

Avez-vous déjà reçu des offres pour jouer aux États-Unis ?

Non ! Jamais, jamais (rire). Mais, je me suis calmé le pompon par rapport à ça. Jouer dans une autre langue, ce n’est pas simple. Je pense que je peux me débrouiller, mais je ne serai pas transcendant. Et le but de la job, c’est d’être quand même le meilleur que tu peux. Je pense que c’est plus simple pour un réalisateur dont les films sont vus à l’étranger. Ils travaillent derrière la caméra. Je pense que la trail vers l’Est, vers la France, est plus accessible que celle vers le Sud.

Au moment de tourner votre premier film, Ce qu’il faut pour vivre (2008), vous aviez déjà une bonne expérience à la télévision. Quels souvenirs gardez-vous de ce tournage ?

Je voyais ça comme la même job. Je me souviens d’être débarqué dans la salle d’un sanatorium rempli de tuberculeux. Nous tournions à Québec. À la première prise, le réalisateur Benoît Pilon a crié « action » et on s’est tous mis à tousser en même temps (rire). Une vingtaine d’acteurs (rire) ! Benoît est venu nous voir et il nous a dit de jouer comme un orchestre. Si tous les instruments jouent fort en même temps, ce sera inécoutable. Il a donc fallu qu’on trouve notre dosage dans la tuberculose ! Ç’a été vraiment très drôle à faire comme scène.

La même année, vous tourniez également dans Borderline (2008), un film assez audacieux pour l’époque. Comment était-ce de travailler avec Isabelle Blais et la réalisatrice Lyne Charlebois ?

Avec l’autrice Marie-Sissi Labrèche, elles formaient vraiment un beau trio. Je me voyais comme un satellite autour d’eux. Je parle pour Isabelle, mais je ne pense pas que tu puisses faire un film comme ça sans avoir totalement confiance en ta réalisatrice. Je sentais que Lyne était complètement en maîtrise de la manière qu’elle voulait raconter cette histoire. Et elle n’était pas simple. On recule d’une quinzaine d’années où on parle de santé mentale et de dépendance, deux sujets aujourd’hui qu’on tient pour acquis. Dans le temps, ça défonçait effectivement bien des portes. Avec Isabelle, on tournait déjà dans la série C.A., donc je la connaissais bien. On était en confiance, parce qu’il avait quand même des scènes pas évidentes à jouer entre nous. Isabelle est vraiment une actrice fabuleuse, complètement investie dans ce qu’elle fait. Elle est aussi très rigoureuse, donc tu sais que tu t’en vas à la guerre avec un bon soldat à tes côtés. Pour prendre une métaphore sportive, j’essayais juste d’être un bon joueur de deuxième trio et de faire de bonnes passes quand c’était le temps (rire). Je trouve que c’est un film qui vieillit bien et qui est toujours utile aujourd’hui.

En 2011, Starbuck a connu un énorme succès. Pour garder votre métaphore, vous aviez un rôle de soutien, mais très marquant. Est-ce que c’est ce film qui vous a ouvert les portes du cinéma français ?

Oui, le film m’a ouvert les portes, mais sept ans plus tard (rire). Comme quoi tu ne récoltes pas tout de suite ce que tu as semé. Je me rappelle de m’être présenté à l’audition du film costumé, ce qui est très rare. Vu que le rôle était celui d’un père monoparental de quatre enfants avec la broue dans le toupet, je me suis levé le matin, j’ai enfilé ma robe de chambre et je me suis présenté comme ça, avec un café en main. Je ne me suis pas peigné, ni brossé les dents (rire). J’avais une barbe un peu longue de plusieurs mois pas taillée. Je suis rentré dans le lobby des bureaux et je me suis assis là. On m’a pris pour un itinérant (rire). J’étais vraiment content de mon audition et c’est un rôle que je voulais. Ken Scott a une façon d’écrire, un ton bien à lui. Je me plais bien là-dedans. Ses mots sortent bien de ma bouche (rire). Et pour avoir retesté l’expérience plus tard avec Au revoir le bonheur (2021), ç’a confirmé que j’aime bien travailler avec Ken. C’est quelqu’un de très respectueux et calme. Quand il dirige, il vient nous parler à part. Tu as l’impression de ne pas recevoir ses notes devant toute l’équipe. Tu ne sais pas ce qu’il dit aux autres, juste à toi. Je trouve que c’est vraiment une belle méthode qui nous enlève de la pression et qui démontre du respect.

« Je me suis dit : “Si on le refait, il faut qu’on amène de quoi de différent. Il faut que ce soit aussi bien sinon mieux que l’original.” Mais déjà à la base, j’étais bouleversé à la lecture du scénario. J’ai tout de suite eu envie de le faire. »

Avec Louis Cyr (2013), vous avez joué dans un gros film d’époque. Comment est-ce pour un comédien de se retrouver sur une production historique de cette ampleur ?

Je te dirais que c’est là que je me suis senti un peu comme à Hollywood, même si aux États-Unis on aurait ajouté un zéro de plus à notre budget de 8 millions (rire). Mais, pour ici, c’était un gros montant. Je pense que ce qu’a accompli l’équipe technique avec ce budget relève de la prouesse. Pour moi, cette expérience n’est pas banale, parce que l’histoire m’a accompagné pendant huit ans. À la base, j’avais auditionné pour une série télé qui n’a pas vu le jour. Puis, le réalisateur Daniel Roby a relancé le projet sous forme de film après avoir lu la biographie de Louis Cyr. J’ai aussi passé beaucoup de temps avant le tournage à m’entraîner. C’est vraiment le projet d’une vie.

Vous jouez autant dans des films commerciaux que d’auteur. Comment choisissez-vous vos projets ? Que regardez-vous dans un scénario ?

L’histoire. Toujours l’histoire. À la lecture d’un bon scénario, il ne faut pas que tu sois capable de le laisser. Il ne faut pas que tu ressentes un effort pour le traverser. Après ça, c’est la partition que tu dois jouer. J’aime mieux être une plante verte dans une bonne histoire que le premier rôle dans une qui ne m’intéresse pas (rire). Il y a aussi les gens avec qui j’ai envie de travailler.

Pour Mlle Bottine, comment avez-vous reçu cette proposition et aviez-vous une appréhension de participer à la reprise d’un grand classique du cinéma québécois ?

J’ai d’abord reçu le scénario sans savoir ce que c’était. Dès la lecture du titre, Mlle Bottine, je me suis dit : « Tiens, c’est drôle. Ça me fait penser à Bach et bottine. » Et, en lisant le scénario au fur et à mesure, ça a fait : « Attends. OK. C’est une relecture. » Très rapidement, j’ai plongé dans l’histoire. C’est vraiment une réinterprétation. Le scénario garde les mêmes grandes lignes, mais on n’est pas dans les mêmes situations. Donc, à partir du moment où j’ai réalisé ça, je n’ai pas eu peur. Mais je me suis dit : « Si on le refait, il faut qu’on amène de quoi de différent. Il faut que ce soit aussi bien sinon mieux que l’original. » Mais déjà à la base, j’étais bouleversé à la lecture du scénario. J’ai tout de suite eu envie de le faire. Pendant deux ans, ç’a été le projet et le rôle qui ont occupé le plus de place dans ma tête. Ce rôle est tellement loin de moi qu’il a fallu que je me donne du temps pour le laisser vivre et grandir. Tu ne peux pas arriver à la première journée de tournage et juste le faire. Tout ça n’a pas été facile parce qu’il est un personnage pas trop super agréable (rire).

Comment s’est développée la relation avec votre jeune partenaire de jeu, Marguerite Laurence ?

Elle est vraiment écœurante ! C’est le niveau de performance de Charlotte Laurier dans Les bons débarras (1980). Je nous ai trouvé chanceux de l’avoir. Dans ta question, tu me demandes comment était notre relation de jeu. C’était exactement ça. Une relation de jeu. Parfois, tu tournes avec des enfants et ça se peut que tu sois là pour les guider. Mais avec Marguerite, j’avais juste à faire mes affaires. On jouait vraiment ensemble. Je savais que je pouvais m’appuyer sur elle. C’était une partenaire de jeu en qui j’avais complètement confiance et avec qui je pouvais aussi m’amuser. Elle est une force de la nature ! Je me suis trouvé non seulement chanceux de l’avoir comme partenaire de jeu, mais aussi de la connaître dans la vie. Elle est juste formidable.

Comment était-ce de jouer avec une mouffette ?

Si tu demandes à Marguerite, ça ne sera sûrement pas la même affaire que moi (rire). Pendant une grosse partie du film, elle doit cacher la mouffette à mon personnage de Philippe. Donc, je n’ai pas trop eu d’interactions avec elle (rire). Mais j’étais là quand ils tournaient ces scènes. Ce n’est pas évident (rire) ! Ce n’est pas un chien ni même un chat. Il y avait deux jeunes mouffettes et, ça a l’air niaiseux ce que je vais dire, mais il y a réellement une odeur qui vient avec elles (rire). |

La comédie familiale Mlle Bottine est présentement à l’affiche.